[핸드메이커 김서진 기자] 최신 트렌드를 선도하는 글로벌 K 콘텐츠의 집결지 더현대서울과 프랑스 3대 미술관 중 하나인 퐁피두센터가 만나, 그 첫 번째 프로젝트로 《프랑스국립현대미술관전 뒤피, 행복의 멜로디》를 더현대서울 6층 ALT. 1에서 9월 6일까지 개최한다.

퐁피두센터와 더현대서울, 지엔씨미디어가 공동 주최하고, 주한프랑스대사관이 후원하는 금번 전시는, 20세기 주요 예술가 중의 한 명인 라울 뒤피의 작품 세계를 현대적이고 독창적인 스타일로 선보인다.

라울 뒤피 작품의 최대 소장처인 프랑스국립현대미술관의 수준 높은 작품들로 구성되며 회화뿐만 아니라, 조각, 드로잉, 판화 등 다양한 분야에 걸쳐 수많은 걸작을 탄생시킨 뒤피의 예술 세계를 총망라하여 소개한다. 또한 이번 전시는 뒤피의 최대 역작이자, 전기와 빛의 시대에 대한 경외와 찬사를 환상적인 색채와 선으로 표현한 “전기 요정”의 연작 오리지널 작품이 전시된다.
 

라울 뒤피는 인상주의 화가들이 사랑한 프랑스 북부 노르망디 지역에서 태어났다. 그는 프랑스 르아브르 시립미술학교에서 처음으로 미술 교육을 받았고 작가 샤를 륄리에의 수업을 들었다. 륄리에는 젊은 시절 클로드 모네와 같은 인상주의 화가들과 교류하고 있었다. 이후 파리로 와서 프랑스 국립미술학교를 다니게 된 뒤피는 폴 뒤랑-뤼엘의 갤러리에서 인상주의 화가들의 작품을 많이 접하게 되었다.
 

뒤피는 순간적인 느낌을 살리는 묘사 등 인상주의 기법을 깊게 탐구했는데 1905년부터는 이에 만족하지 못하고 색채 실험에 매진하게 된다. 그 결과 현실을 객관적으로 재현하기보다는 화가의 주관적 판단에 따라 이를 재해석하는 것이 더 중요하다고 생각했다. 1905년 앵데팡당 전에서 그는 앙리 마티스의 작품 '사치, 평온, 쾌락'을 접한 후 '새로운 회화의 역할'을 지지하게 된다. 뒤피의 붓터치는 점점 더 넓게 퍼지고 형태에도 윤곽선이 들어간다. 원색을 쓰는 뒤피의 취향은 1907년-1908년까지 마르세유에서 머무르며 그린 작품들에서도 계속해서 나타난다. 
 

1908년 여름 라울 뒤피는 조르주 브라크와 프랑스 남부 마르세유 인근의 에스타크로 가서 폴 세잔의 발자취를 따라가 보기로 했다. 브라크의 경우 이미 몇 달 전부터 파블로 피카소와 함께 작업하며 입체파 연구에 매진했다. 브라크는 건축적인 간결함을 통해 풍경을 표현하고자 했는데 그가 뒤피에게도 자신의 방식을 알려주었던 것.

브라크와 함께 작업하면서 완성한 회화는 총 12점으로 이때 그린 작품은 모두 오렌지빛 갈색과 녹색 계열을 주로 쓰며 색의 사용을 현저히 줄인 게 특징이다. 작품들을 그리면서 뒤피는 작은 초목에 초점을 맞추고 그 사이로 정원의 아치형 회랑이나 작은 공장 등 건축 구조물이 엿보이게 화면을 구성했다.
 

뒤피에게 있어 짧은 시간 사이 지나간 입체파 시기는 1909년 그가 파리에 있는 자신의 아뜰리에에서 누드를 작업할 때에 영향을 미쳤다. 
 

20세기 프랑스의 시인 기욤 아폴리네르는 1910년 라울 뒤피에게 '동물시집 혹은 오르페우스의 행렬'을 위한 삽화를 그려 달라 제안했고 뒤피는 목판화 30점을 작업했다. 그의 목판화는 흑백의 강한 대비를 이용해 장식적인 효과를 최대한 살리고 화면을 빈틈없이 가득 메우는 점이 특징이다. 이는 세세한 묘사로 꽉 들어찬 배경 위에 단순화된 형태로 표현한 동물들을 넣어 교묘히 배치한 화면 구성은 꾸밈없는 순수함으로 인해 대중 예술 특유의 맛이 느껴진다. 
 

대중 예술에 대한 뒤피의 관심은 제1차세계대전이 발발하면서 독일이 프랑스 및 동맹국들에게 전쟁을 선포했을 때 그 정점에 달한다. 당시 뒤피는 순수한 애국심이 담긴 선전용 그림을 만들어야 한다고 생각했다. '대중 예술의 혁신'을 진지하게 고민하던 뒤피는 이렇듯 애국심을 고양하는 선전물의 작업을 위해 공공연히 '에피날 판화'를 참고했다. 에피날 판화는 19세기 초 프랑스 동부에서 제작한 목판화로 종교와 군대를 위한 교훈적인 그림을 일반 서민들에게 보여주기 위해 제작되었던 판화다. 
 

라울 뒤피는 패션과 섬유 분야의 전문가들로부터 관심을 받게 된다. 1911년부터 그는 폴 푸아레와 함께 다양한 장식 작업을 진행했는데 특히 푸아레와 함께 인쇄 작업을 하기 위해 '라 프티트 위진(작은 공장)'이라는 회사를 만들어 운영하기도 했다.

뒤피는 이 작업장에서 초창기 벽면 장식 천과 직물 인쇄를 진행했고 푸아레는 여성 패션 디자인에 대한 새로운 영감을 얻기도 했다. 1912년 뒤피는 프랑스 리옹에서 실크 제조로 유명했던 비앙키니-페리에와 3년간 첫 계약을 체결했고 이곳을 통해서 독점으로 뒤피가 만든 직물이 공급되었다. 이 작업은 실내 가구와 의상에 쓰일 다양한 직물 제품을 만들기 위한 모델 제작의 시초가 되었다. 

 

패션계에서 왕성하게 활동하던 뒤피는 패션지 '라 가제트 뒤 봉 통'과도 함께 작업했는데 이 잡지에 비앙키니-페리에 천을 이용해 디자인한 드레스 및 외투를 그린 뒤피의 스케치가 수록된다.
 

그 해 앵데팡당 전시회에서 뒤피는 최신 수영복을 입고 물놀이하는 세 여인의 대형화를 선보였는데 이는 그가 패션이라고 하는 이 '경쾌한' 세계와 무관하지 않다는 점을 설명한다. 본 작품은 패션과 회화라는 두 가지 작업 스타일을 퓨전했다. 당시 패션의 트렌드를 알 수 있는 회화다. 또한 크기가 큰 벽화로, 시점을 멀리서 바라보는 작업을 이 때부터 연습했음을 알 수 있다. 장식적인 요소가 많이 있는 벽화의 시초라 할 수 있다.
 

20세기 주요 예술가 중 라울 뒤피만큼 장식 예술에 대한 관심과 재능을 가진 이는 드물다. 으레 예술을 서열화하던 관행을 무시하고 뒤피는 도자기와 태피스트리, 일러스트, 광고 벽도 모두를 소화했다. 1924년 그는 카탈루냐 출신 청년 도예가 오렌스 아르티가스와 만나게 되면서 자신의 첫번째 도자기 작품을 만들게 된다.

파리 인근에 위치한 아르티가스의 작업실에서 뒤피는 금속산화물을 다루는 뛰어난 능력을 보인다. 같은 해 프랑스 정부로부터 의뢰를 받아 태피스트리 작업 또한 하게 된다. 이후 그는 오뷔송과 보베의 유명 태피스트리 제조사와도 함께 작업했다. 제2차세계대전 이후 뒤피는 직조 기술의 혁신을 꾀한 장 뤼르사와도 협업했다. 미술품 거래상 루이 카레의 요청에 따라 뒤피는 회화 작품을 바탕으로 양모 태피스트리를 만들기도 했다. 
 

전세계 최초로 공개하는 라울 뒤피의 태피스트리 작품이다. 수장고에만 있다가 처음으로 공개되었다. 프랑스에서도 공개가 되지 않은 작품으로, 창고를 찾다 나온 것을 복원해 갖고 온 작품이다. 
 

인상주의 화풍으로 그린 초기작으로 그의 마지막 작품들에 이르기까지 라울 뒤피는 고향의 해안선과 맞닿은 영불해협의 여러 풍경에서 끊임없이 영감을 얻었고 1904년부터는 남부의 햇볓이 내리쬐는 지중해의 경치가 그에게 마르지 않는 영감의 샘이 되었다. 뒤피에게 바닷가는 항만 활동이 이루어지는 곳이라기보다는 여가 생활의 장에 가까웠다. 그는 전통적인 원근법의 모든 형태에서 탈피한 가공의 지형을 중시하면서 헤엄치는 여인과 우의적 비유의 형상들, 조개, 화물선이나 범선 등 여러가지 세부 묘사가 넘쳐나는 새로운 해안 공간을 창조했다. 
 

바다라는 주제와 관련해 뒤피는 물놀이하는 여인의 형상을 수많은 작품들로 만들어낸다. 그는 물놀이하는 여인이라는 주제를 보다 확장시켜 귓가에 조개를 가까이 대고 있는 모습으로 바다의 여신 '암피트리테'를 작품에 담기도 했다.

여인 옆에는 작가 자신을 그렸다. 작가가 이 바다라는 테마 안에서 본인이 생각하는 환상 안에 어떻게 자신을 표현했는지를 알 수 있다. 암피트리테 같은 경우는 붓질이 굉장히 빠르게 지나가면서도 유려하게 흐르는 듯한 터치감이 보인다. 
 

뒤피는 작품에서 종종 '승마'라는 주제를 바다와 결부시켜 표현했다. 1923년 이후 그는 폴 푸아레의 권유로 경마에 관심을 두기도 했는데 선명한 색채의 기수가 말을 타고 달리는 경마의 속도감 있는 광경을 좋아했다. 그는 수채화를 비롯한 회화 작품으로 다수의 말 그림을 그렸고 이는 당시 컬렉터들 사이에서 큰 성공을 거뒀다. 

경마에 대해 그린 작품 중 대중에게 보이는 몇 안 남은 작품이다. 라울 뒤피가 그린 경마 작품들은 수집가들에게 인기가 많아 대부분이 다 판매가 되어 수집가들이 개인 소장을 하고 있었다. 그 중 한 명이 미술관에 기증을 해 퐁피두센터에서 최초로 가지고 있는 작품이기도 하다. 독일에 있는 경마장을 그린 것으로 '패독'을 하고 있다. 패독은 경주마들이 트랙에 나서기 전에 안장을 걸치거나 천천히 걸으며 몸을 푸는 행동을 말한다. 옆으로 길게 그려져 있는, 독특한 포맷을 갖고 있다. 
 

프랑스, 이탈리아, 영국 등 세계 각지로 여행을 많이 다닌 라울 뒤피는 다수의 풍경화를 작업하며 예술적인 행보를 이어갔다. 1924년 무렵 자리잡은 일명 '뒤피 스타일'은 풍경을 새롭게 재구성하는 화가의 뛰어난 능력을 바탕으로 여행 중 돌아본 각지의 풍경을 특징적으로 보여주기에 적절한 양식이었다. 그는 보다 자유로운 풍경화 양식을 채택하고 전원 풍경에도 상당한 관심을 두었다.
 

라울 뒤피는 초창기부터 자화상과 초상화를 작업했고 1920년대와 1930년대까지 초상화를 그리며 당대 최고의 초상화가로 손꼽혔다. 뒤피의 아내는 화가의 모델로 자주 작품 속에 등장하는데 그 외에도 뒤피의 초상화 속 주인공으로 문학 작가들과 당대 사교계 유명 인사들이 등장한다. 그들 중에는 당시 유명 컬렉터였던 피에르 제스마도 있었다. 
 

1930년에는 영국 석유회사의 소유주 장-바티스트 케슬러가 자신의 가족들의 모습을 담은 초상화를 작업해 달라고 뒤피에게 의뢰했는데 나무가 우거진 숲속에 가족들이 말을 타고 있는 모습의 초상화였다. 뒤피의 작품으로서는 이례적으로 크기가 컸던 이 대형화 준비 작업을 위해 뒤피는 케슬러 가문의 사유지를 여러 차례 방문한다. 1931년 가을, 파리로 돌아온 뒤피는 자유로운 화풍으로 이 초상화를 완성했고 케슬러의 요청으로 두 가지 버전의 작품이 만들어졌다. 첫번째 버전은 퐁피두센터 프랑스국립현대미술관이 소장 중이고 두 번째 버전은 영국 런던 테이트미술관이 소장 중이다.

해당 작품은 이미 케슬러가 라울 뒤피가 경마에 대해 얼마나 많이 그렸는지를 알고 있었기 때문에 이 작업을 의뢰한 것이라고. 한다 라울 뒤피는 영국의 시골과 이 가문의 저택을 들락날락하면서 작업을 즐겼다고 한다. 즉흥적으로 그린 것처럼 보이지만 오랫동안 시간을 들여 그린 것으로, 사실 즉흥적이지 않다. 수정할 부분이 생기면 덧칠하고 다시 그렸다. 또한 푸르른 나무나 이파리를 디테일하게 표현했음을 알 수 있다. 굉장히 큰 크기의 작품으로, 18세기 영국의 화풍이 연상되는 작업이다.  
 

라울 뒤피는 개인 저택의 장식을 위해 벽화를 그린 경험이 두 차례 있었는데 그 후 파리에서 열린 만국박람회에 그의 작품들 중 최고의 걸작으로 손꼽히는 대형 장식 벽화 '전기 요정'을 선보였다. 당시 파리전력회사가 '전기와 빛' 전시관의 내벽 600㎡를 장식할 작품을 의뢰했는데 이 초대형 장식 벽화 작업을 위해 그는 위에서 내려다보는 구도의 전경 안에 고대부터 현대에 이르기까지 전기의 발명과 관련된 인물 111명을 묘사했다.

이 작품을 작업하고 있던 중 그는 프랑스 정부로부터 장식 벽화 작업을 추가로 의뢰받았는데, 만국박람회를 위해 재건된 '샤요 궁'극장의 흡연실 겸 바 공간을 장식하는 작업이었다. 파리에서 바다까지 이어지는 센 강과 그 지류들이 여성으로 묘사되었다. 또 프랑스 정부의 의뢰로 그는 파리식물원 내에 있는 곳으로 파리에서 가장 오래된 동물원의 한 공간을 장식하는 두 점의 장식 벽화 작업을 맡게 됐다. 그 중 하나의 작품에는 아시아와 아프리카 지역을 탐험한 사람들을 묘사했고 또다른 작품에는 식물학자와 동물학자의 모습을 담았다. 
 

이 작품의 원작 같은 경우는 전시에 쓰고 난 후에 원작은 그대로 두고 리토그래피로 작품을 복제했다. 그러나 리토그래피의 특성상 컬러가 없고 좀 차가운 느낌이 들어 작가가 별로 맘에 들어 하지 않아 작가가 아예 채색을 새로 해 만든 작품이다. 전기가 만들어져 현대의 프랑스까지, 전기를 통해 시대가 어떻게 발전했는지를 그린 작품이다. 작가 본인이 전기의 역사를 구상해 오랫동안 작업한 작품이다. 
 

1909년 파리에 있었던 첫번째 아뜰리에부터 1940년대 프랑스 남부 '방스'와 '페르피냥' 지역의 아뜰리에에 이르기까지 라울 뒤피는 자신의 창작 활동의 무대였던 아뜰리에 그 자체를 작품의 주제로 삼을 때가 많았다. 아뜰리에를 다룬 작품에는 보통 이젤과 캔버스, 붓과 같이 그림을 그리는 도구들이 묘사되고 인물이 등장하기도 한다.

그는 각 아뜰리에마다 특유의 색채를 부여했는데 가령 방스 아뜰리에를 그릴 땐 주로 붉은 오렌지색을 사용했고 페르피냥의 아뜰리에는 흰색으로 표현했다. 파리의 아뜰리에는 밝은 파란색을 사용해 표현했는데 낮 시간의 밤을 담아내고자 했다. 특히 파리의 아뜰리에에서 위대한 작곡가에게 헌정하는 연작을 그렸는데 바이올린과 같은 악기가 등장한다. 음악가의 집안에서 태어난 그는 본인 역시 굉장한 음악 애호가였다. 
 

라울 뒤피는 뛰어난 색채의 화가지만 '동물시집' 목판화 작업 이후 검은색에 대한 애착을 갖게 된다. 1920대부터 그는 풍경화에 검은색을 사용하기 시작했다. "태양은 검은색이다. 태양을 정면으로 바라보면 눈이 부셔 아무것도 보지 못한다"는 원칙에서 출발했다. 생트-아드레스에서 기억을 담은 '검은 화물선' 연작에서도 그는 빛으로 인해 순간적으로 눈이 먼 상태를 어두운 색면으로 표현했다.

거의 모든 작품에서 배는 항상 화면 중앙에 위치하며 영사기가 위에서 아래로 빛을 쏘듯 검은빛이 떨어져 내리는 형상으로 표현됐다. 검은 화물선 연작은 단순히 광학 현상만을 표현한 작품이라기보다 화가가 남기는 유언이라는 의미도 있다. 죽음의 그림자가 드리운 검은색이 역설적이게도 평생 색을 찬미하며 그림을 그려온 화가의 여정에 마침표를 찍기 때문에. 이 작품들은 작가 생전에는 공개되지 않았다. 계속 본인이 그리고 있기도 했고, 작가가 세상을 떠날 때까지 공개되지 않았다가 작가 사후에 작품을 전부 모아, 빛이 가장 많이 들어오는 프로방스 지역에서부터 공개되었으면 좋겠다는 아내의 말이 있다. 
 

'검은 화물선과 깃발'은 생트 아드레스 해변을 다시 그린 것이다. 1902년부터 계속 작가가 어린 시절을 보냈던 곳이고, 전쟁이 터지면서 이 해변이 완전히 파괴되었다. 세계2차대전 이후로 작가는 본인이 갖고 있었던 모든 기억이 다 사라졌다는 생각에 이 작품을 그렸다. 작품에는 전쟁의 상흔, 전쟁의 비극과 불행을 알려 준다. 작가가 마지막 생애에 그렸던 작품이기 때문에 작가의 죽음에 가까워진다는 걸 연상시킨다.

검은 화물선은 전쟁의 폐허를 상징하면서도, 보고 있는 관객들에게 다가오는 느낌이기도 했다. 또한 작가에게는 관객들과는 반대로 작가의 생의 끝으로 가는 느낌이다. 어떻게 보면 역설적인 작품이다. 라울 뒤피는 평생 색채에 대한 탐구를 했으며 다양한 색채들을 다루었지만 작가의 생에 마지막으로 가면서 검은색으로 그 중심이 옮겨가고 모든 색이 검은색으로 귀결된다. 그 검은색과 함께 작가의 작품과 생이 소멸되는 느낌이라 여러 모로 의미가 있다. 
 

이번 전시는 미술사적으로 중요한 화가이지만 한국에서는 아직 널리 알려지지 않은 라울 뒤피의 예술 세계를 소개하는 매우 영광스러운 기회라 할 수 있다. 전시 관계자 측은 "<행복의 멜로디>라는 이번 전시의 주제를 통해 음악에서 영감을 받아 작품을 탄생시키곤 했던 라울 뒤피, 항상 긍정적인 예술가로서 한 인간으로서의 면모를 상징적으로 담아내고자 한다"고 전했다.